Musica Disco. 1. Historia de la musica dance. 2. Referentes.

SIGLO XX, LA MUSICA DISCO.

La música Dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul, que mezcló elementos de géneros anteriores, como algún toque latino en según que casos, y que se hizo muy poppulaar en las salas de baile de las discotecas a finales de los setenta.

Los instrumentos comunes de la musica disco son la seleccion de cuerda, de viento, teclado, guitarra, bajo, batería, y la voz humana.

La popularidad de la musica disco fue muy alta en Estados Unidos y Europa continental, durante la mitad de los 70.

Todas las canciones de la músiica disco son INMORTALES, es decir, que pase los años que pasen, estas canciones van a seguir siendo muy conocidas y despiertan el baile. Cuando en una discoteca actualmente no se sabe que poner, si se pone este tipo de música la gente va a salir a bailar. 

Los clásicos de la música disco

1. I Will Survive de Gloria Gaynor

2. Heart of Glass de Blondie

3. Stayin’ Alive de Bee Gees

4. It’s Raining Men de Weather Girls

5. Daddy Cool de Boney M

6. Ring My Bell  de Anita Ward

7. . Video Killed The Radio Star de Buggles

Y por último quiero añadir: Happy children, pe lion.

Y AHORA, FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE!!!

Pongo este vídeo con imágenes porque en clase ya vimos el videoclip para no repetir.

Un famoso grupo de los 90, the ultimate, aqui tiene un remix que dura bastante, pondré algunas partes para que lo escuchemos.

la época dorada de la música disco se dio a finales de los años 70 y principios de los 80, pero prácticamente cada año podemos encontrar alguna gran canción que nos hace vibrar en la pista años y años después.

Voy a poner un enlace con otra canción de la época dorada:

http://www.youtube.com/watch?v=yBoUwj29Xco 

Romanticismo. S.XIX. La segunda escuela de Viena.

ROMANTICISMO. SEGUNDA ESCUELA DE VIENA:

Para comenzar, voy a empezar explicando con la información que he recogido lo que es la Escuela de Viena y por quién está formada:

La Escuela de Viena o Segunda Escuela de Viena fue formada por Schöenberg, Webern y Berg. 



* LA SEGUNDA ESCUELA DE VIENA SUERGE CON EL CONCEPTO DE LAS OPERAS CONTEMPORANEAS, SE ESPECIALIZA EN LA ORQUESTA DE CÁMARA. COMPUESTA PARA 20 O 30 INSTRUMENTOS. 
ROMPEN CON TODO, CON LA EXALTACIÓN DEL SENTIMIENTO, Y CON MODOS DE COMPOSICIÓN NOVEDOSOS, ADEMÁS, TODO EL MATERIAL QUE VAN A USAR VA A SER NUEVO.

Fue muy importante en la evolución de la música occidental del siglo XX. Aportando una utilización completa y no funcional del total cromático. La armonía tradicional le daba un valor desigual a las notas de la escala, una principal, otras subordinadas, y esto era utilizado como base. Los miembros de la escuela de Viena comprendieron la necesidad de dar un paso siguiente en la música. 
Primero ampliaron el limite de las prioridades funcionales, luego consideraron "sensible" (la nota que ha de resolver en la tónica) cualquier altura que compusiera un acorde, con lo que la funcionalidad "natural" (aquella a la que el uso frecuente tiene acostumbrado el oyente) se suspende. 
Después explotaron distintos criterios para la formación de los acordes, como la sustitución de las tradicionales terceras por cuartas. 

El dodecafonismo o música dodecafónica, que significa música de doce tonos (del griego dodeka: 'doce' y fonós: 'sonido') es una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas.


Aquí os dejo una foto de la segunda escuela de viena.

ANTON WEBERN:



Compositor austriaco que desarrolló el sistema dodecafónico del compositor también austriaco Arnold Schönberg e influyó sobre la generación de compositores posterior a la II Guerra Mundial. 

VIDEO: SECONDA SCUOLA DI VIENNA:

Entre las principales obras donde Webern empleó la dodecafonía cabe destacar la Sinfonía de cámara (1928), las cantantas opus 29 (1940) y opus 31 (1943) y las Variaciones para orquesta (1940).


ALBAN BERG:

Su nombre completo es, Alban Maria Johannes Berg, que fue un compositor austríaco. Fue alumno de Arnold Schoenberg y perteneció a la Segunda Escuela de Viena.
Sus tres obras más conocida son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y Lulú.


El tipo de música que hacía Berg se llamaba "Entartete Kunst" (arte degenerado) y lo tuvo muy difícil para seguir con sus obras. Pero Berg no se rindió y empezó en 1934 la que sería su gran obra "Lulú" que la dejo incompleta porque murió antes de poder acabarla.

Aquí os voy a dejar una foto de Berg para que podáis verle:

Aquí os voy a dejar unos vídeos de las obras más importantes.

Concierto para violín:
 

La ópera de Wozzeck 

Argmento:

Wozzeck (1925)

Alban Breg

Idioma alemán

Un hombre pobre es engañado por su mujer. Prevalece el fracaso y el pesimismo. Sucede en Alemania a mediados de silo XIX.

Primer acto

Wozzeck es un soldado que trabaja para sus jefes en calidad de mucamo. Estos le aconsejan no pensar. María, la mujer de Wozzeck oye desde su habitación la marcha del batallón y sale para ver. El Tambor Mayor la saluda y ella, coquetea con él. Wozzeck cuenta al médico que padece visiones. Finalmente, María acaba en brazos del Tambor Mayor.

Segundo Acto

María se adorna con los pendientes que el Tambor Mayor le ha regalado. Cuando Wozzeck le pregunta dónde los ha conseguido, ella le dice simplemente que los encontró. Wozzeck le deja a su mujer el poco dinero que ha ganado. El médico y el capitán le cuentan a Wozzeck sobre los amoríos de su mujer con el Tambo Mayor solo para divertirse. Wozzeck corre diciendo que piensa pegarse un tiro. María se enfrenta a su marido para responder ante sus celos. Pero más tarde, Wozzeck encuentra a su mujer en la posada bailando con el Tambor Mayor. Wozzeck tiene visiones con manchas de sangre. Ya en el dormitorio del cuartel, Wozzeck, completamente ebrio, pelea con el Tambor Mayor que termina hiriendo a Wozzeck.

Tercer Acto

María en su habitación, lee la Bibilia mientras es invadida por sentimientos de culpa. Mas tarde, Wozzeck mientras camina por el bosque junto al lago, asesina a su mujer con un cuchillo.

Luego de beber en la taberna, donde una mujer advierte las manchas de sangre en la ropa de Wozzeck, éste vuelve al lugar del crimen y buscando el cuchillo se hunde en el agua y desaparece.

En las calle juegan algunos niños, incluso el hijo de María y Wozzeck. Al llegar la noticia de que se ha encontrado una mujer asesinada en el lago, todos se movilizan por la curiosidad. Incluso el pequeño, montado en un caballito de madera.

La ópeera Lulú: 

Argumento: 

Lulu es la ópera de la servidumbre sexual. El erotismo, la sensualidad, la degradación de los ins­tintos son su único tema. En el prólo­go, que tiene lugar en un circo sola­mente insinuado, se exhibe, después de enumerar a una serie de animales, el «animal de presa más bello y peli­groso»: la mujer. Su personificación más pura es Lulu. «Fue creada para producir la desgracia, para atraer, para seducir, para envenenar y asesinar... sin que la víctima lo note», dice de ella el admirado domador. La pista del circo es la vida; Lulu, la corruptora de hombres, arquetipo de la vampire­sa que trae humillación, oprobio, ver­güenza y muerte a los que sucumben al encanto de su cuerpo, a la fuerza primigenia de su sexualidad, a los que están dispuestos a sacrificar por ella, de buena gana o a regañadientes, el honor, el dinero, la seguridad, la feli­cidad y la vida.
Después de la escena simbólica del circo entramos en el argumento. Lulu posa para un pintor. El doctor Schön la observa y se advierte en seguida la fuerte atracción erótica que despierta en este sereno jefe de redacción un cuerpo femenino que a primera vista parece casi infantil.


Arnold Schönberg

Arnold Schönberg fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1933, escribióO su apellido con la otra grafía alemana posible, Schoenberg.

ÓPERA:

Von Heute auf Morgen (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. 

MÚSICA ORQUESTAL:

Fin.

Clasicismo XVlll. La música de Haydn

INTRODUCCIÓN: 

Franz Joseph Haydn, conocido como Haydn, fue un compositor austriaco (nació el 31 de marzo de 1732), es uno de los mas importantes en el clasicismo, además de ser conocido como el «Padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda»

Haydn destacó en todos los géneros musicales.

Él se especializó en la exposición mono temática.

La inventiva formal de Haydn también lo llevó a integrar la fuga en el estilo clásico.

Quizás más que cualquier otro compositor, la música de Haydn es conocida por su humor. El más famoso ejemplo es el repentino acorde agudo en el movimiento lento de su Sinfonía Sorpresa.

Otras muchas bromas musicales de Haydn incluyen numerosos falsos finales (por ejemplo, en los cuartetos Op. 33. n.º 2 y Op. 50. n.º 3), y la notable ilusión rítmica en el trío del tercer movimiento op. 50 n.º 1. 

Movimiento lento de su Sinfonía Sorpresa:

Op 33 nº 2:

Op. 50 nº 1:

Esto es una porción de un manuscrito original de Haydn.

Algunas de sus obras más famosas: Sorpresa (nº 94), Militar (nº 100), El reloj (nº 101), El redoble de tambor (nº 103) y Londres (nº 104). Durante sus últimos años en Viena, Haydn comenzó a componer misas y grandes oratorios como La creación (1798) y Las estaciones (1801, basado en el poema del mismo nombre del escocés James Thomson). También de este periodo es El himno del emperador (1797), que más tarde se convirtió en el himno nacional de Alemania.

Aquí incluyo El himno del emperador:

Haydn abarcó prácticamente todos los géneros: vocales, instrumentales, religiosos y seglares. 125 tríos y demás piezas compuestas para viola barítono. La mayoría de sus 19 óperas y operetas de títeres las compuso según el gusto y las directrices del príncipe. Haydn admitió la superioridad de las óperas de su joven amigo Wolfgang Amadeus Mozart. Las 107 sinfonías (104 es el número tradicional; otras tres se han incluido posteriormente) y los 83 cuartetos para cuerda, que revolucionaron la música, son pruebas fehacientes de su original aproximación a nuevos materiales temáticos y formas musicales, así como de su maestría en la instrumentación. Sus 62 sonatas y 43 tríos para piano muestran un amplio abanico.

La influencia que ejerció en el desarrollo de la sonata fue decisiva, en el siglo XX empezaron a crear estructuras musicales cada vez más extensas.

AQUÍ OS DEJO UNA FUGA DE HAYDN:

TAMBIÉN UN EJEMPLO DE UN ORATORIO, la creación:

Y AQUÍ UNAS ÓPERAS DE HAYDN:

Esta ópera a mi me ha parecido muy bonita y por eso la he elegido.

Me gusta como combina las dos voces. 

BARROCO

Formas Musicales:

Aquí os dejo una foto de la clasificación del barroco, el inconveniente es que no está en castellano, pero yo creo que no es muy difícil de comprender lo que pone.

En música, el Barroco señaló un período de gran desarrollo del arte vocal e instrumental, de obtención de armonías más complejas y mayor profundidad de las formas y el sentimiento. Los reyes, los príncipes, los duques y otros miembros de la nobleza trataban de superarse unos a otros por la pompa; el que mas resalta, y la exhibición; para que todo el mundo sepa de eso. La música había progresado mucho a partir de los cantos.

LAS FORMAS VOCALES SON LAS SIGUIENTES:

• La cantata. Obra para ser cantada, puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos, (que son un tipo de lírica). Está formada por (arias, una pieza de música creada para ser cantada por una voz solista), y recitativos, (forma musical creada por las voces humanas, se caracteriza por tener reflexiones),  y se diferencia del oratorio en que el coro tiene menor importancia y en que tiene un carácter lírico en lugar de dramático (los personajes no intervienen en la acción). En la cantata intervienen solistas, coros y orquesta.
  
  
  Aquí os dejo una muestra:
  
  
  
  

• El oratorio. Toma su nombre de los Oratorios de San Felipe Neri, en Roma, y en cierta forma es una evolución del motete. Se escribe sobre texto bíblico y participan solistas, coro y orquesta. Los personajes no actúan, sino que solamente cantan una historia, un drama de carácter religioso.
  Aquí os dejo un ejemplo de un oratorio de Hendel
  
  
  
  
• La pasión. Drama litúrgico,( forma que se lleva a cabo las ceremonias de una religión, contexto de la religión cristiana), sobre la pasión y muerte de Cristo. Puede usar la lengua latina o la lengua vulgar y se escribe para solistas, coro y orquesta. Al igual que en el oratorio, no se actúa. Está protagonizada por un evangelista, que narra la historia mediante el recitativo, por los propios personajes del Evangelio y el pueblo. El elemento unificado son los corales que se repiten.
  
  
  Aquí dejo un ejemplo de una pasión:
  
  
  
  
• La ópera. Representación escénica de carácter lírico-dramático, donde alternan recitativos, arias e intervenciones orquestales. El recitativo consistía en una única melodía cantada (monodia), a medio camino entre el lenguaje hablado y el canto, acompañada por diversos instrumentos. Tenía una orientación dramática, y los personajes dialogan entre sí. Decorados y escenografías exigen unos marcos especiales. Sus partes más importantes son: la obertura (instrumental), los coros (voces), los interludios (instrumental), las arias (solos en voces) y, ocasionalmente, el ballet.
  
  
  Aquí os dejo una ópera, he encontrado una distinta a las más comunes, que son Rinaldo y Orfeo.
  
  
  
  
  Se distingue entre la ópera seria y la ópera bufa o cómica. La primera, de talante aristocrático, extraía sus temas de la mitología clásica, mientras en la segunda los protagonistas eran personajes del pueblo, cuyas divertidas historias eran reflejo de la vida cotidiana.La ópera tuvo sus comienzos en Florencia, se enriqueció en Venecia y Roma y logró el pleno éxito en Nápoles a finales del siglo XVII.
  
  
• LAS FORMAS INSTRUMENTALES SON LAS SIGUIENTES: 
  
  
  
  
  • La tocata. Piezas breves para instrumentos de teclado.
    
    
  • La sonata. Obra para ser sonada, es decir, para ser tocada, por oposición a una obra cantada o cantata. Suele constar de cuatro movimientos, alternando rápido-lento. Se puede escribir para uno, dos o tres instrumentos, e implica la presencia de un bajo continuo, si no se indica lo contrario. No debe ser confundida con la sonata clásica.
    
    
  • La suite. Sucesión de danzas populares, alternando un aire rápido y uno lento. Tuvo su origen en las danzas populares que se cantaban en la Edad Media. En el Barroco se interpretaban con instrumentos y aparecían reunidas en una sola obra. Sus cuatro tiempos basados en aires de danza suelen ser: alemanda, polonesa, bourré y zarabanda. Otros tipos de danza son courante, giga, paspié, minueto, etc.
    
    La fuga. Es la forma más compleja que se conoce en la polifonía occidental.
  • Además de ser una forma musical instrumental, puede ser también vocal. La melodía principal se llama motivo y es imitada por la respuesta. Se alternan motivo y respuesta dentro de un estilo contrapuntístico imitativo. Tiene tres partes: exposición temática, divertimento o desarrollo y stretto conclusivo o reexposición.
    
    
    Aquí os voy a presentar la fuga más impresionante que he escuchado nunca:
    
    
  • El concerto grosso. El nombre de concerto, «concierto», viene del vocablo latino concertare, que significa «luchar, disputar, combatir». Un grupo de instrumentos solistas (concertino), generalmente violines, contrasta con el resto de la orquesta (tutti o ripieno). El concierto suele constar de tres movimientos, alternándose los rápidos con los lentos, como sucede en la sonata. El concierto actual, que es una de las más importantes manifestaciones de la música culta, tuvo su origen en el concierto barroco.
  
  
  • El concerto solista. Similar al concerto grosso, pero aquí solo hay un instrumento solista, lo cual permite un más alto grado de virtuosismo.
    
    
    Aquí os dejo un vídeo:
    
    
  
  

                         4.1 Al ayre español

 Al ayre español es un grupo vocal e instrumental que se dedica

prinzipalmente a interpretar  música de compositores del barroco

 español .Utilizando instrumentos de época como estos:

 De teclado:

órgano

clavicémbalo 

clavicordio

De cuerda:

cordados sin mastil

el arpa

la cítara

Cordados con mástil: punteados

el laud

la mandora o guitarra morisca

la guitarra latina

Cordados con mástil: frotados

el rabel

la zamfona

de viento:

tocado con boquilla

corneta

tocado con visel

la flauta de pico

flauta travesera

de lengüeta simple

la gaita o cornamusa

tocada con doble lengüeta

Bajón

orlo o cromorno

de percusion:

membranófonos

tamborino o tamborete

el pandero

idiófonos

cimbalos  

crotalos

campanas

carrillon

Este grupo fue 

Desde su presentacion en el festival Utrechs , han dado numerosos conciertos por todo el mundo y participado en festivales importoantes como:

Konzerthaus y Musikverein de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Festival van Vlaanderen en Bélgica, Internationale Festtage Alter Musik Sttugart, Lufthansa Festival de Londres, Festivales de Saintes, Ambronay y Beaune,opéra camique de París (Francia), Library of Congress Wahington, Festival Cervantino México, Festival del Lago de Constanza Suiza, etc.

El grupo se creo en 1988 por Eduardo López Banzo.El nombre del conjunto lo inspira el título de una Fuga para guitarra del compositor de Calanda, Gaspar Sanz.

 

Notación Musical

Primera Notación Musical

En este blog voy a contar la Notación Musical de Occidente.

La primera escritura musical no se fabrico hace poco , si no que se tardó un largo periodo en acabarla. La primera escritura fue la compuesta por neumas. Para definir a los neumas se pria decir que eran símbolos colocados sobre las sílabas del tenxto y cada neuma tenía su propia melodía que se tenia de recordar.
Los principales neumas son estos :

En esta lista salen más neumas añadidos a lo largo del tiempo , pero los principales fueron el punto , la vara, la clava y el Pé (señalados los primeros 4).
Los neumas solo indicaban la direccion de la melodía , no indicaban ni duración ,ni altura ,ni ritmo.

A lo largo del tiempo fueron evolucionando bastante en forma :
-Notacion Cuadrada : hacia 1150 ( forma más definida )
-Misal de Paris pensó que en vez de retocar las notas se tenia que retocar donde se situaban y creo un camino de una sola línea roja que era el camino de la Fa ; al tiempo Guido D'Arezzo creo una línea inferior amarilla señalando el Do.
Curiosamente, no existía una norma generalizada para usar un número exacto de
líneas, y en algunos manuscritos se pueden ver pautas de cuatro, cinco, seis y hasta diez.
-Hay muchos tipod de notación , de todos los siglos algunas de las más importantes son :
Notación Babilónica :Los babilonios crearon la notación más arcaica que se conoce, mediante la aplicación de nombres propios a los intervalos musicales. La pieza casi completa más antigua que se conserva procede de una tablilla y data de 1400-1250 a.C
Notación Griega :No se conoce prácticamente nada de lo compuesto o ejecutado antes del siglo III a.C y los testimonios que nos proporcionan información sobre la música en Grecia son de varios tipos: escritos literarios, históricos, filosóficos o científicos.
 
Esta es notacion griega clásica , como se ve lleva notación musical encima de las etras.
Lo ´mas destacado en esta cultura es que existian dos notaciones una de coral , para las voces y otra instrumental.
Notación Bizantina :se podría decir que es una derivación del griego , ocurrio tras la caída del Imperio Romano llamado Cisma de Oriente , al separarse la cultura cambio en Constantinopla y cambio la notación a lo largo del tiempo.
Notación Judia-Europea :La comunidad judía de Europa poseía sus propias tradiciones musicales. En las sinagogas, el canto de los salmos se realizaba usualmente de manera responsorial entre un líder y la congregación. La lectura de las escrituras hebreas se enotonaba por un solista.
Modos Rítmicos : a finales de el siglo XII los estudiantes de Notre Dam elaboraron una notación que daba la duración de las notas , esta notación se parece o es directamente la de hoy en día.
- Quedria las notaciones Arn Nova y Franconiana.

Durante el renacimiento se crearon nuevas notas , cada una valía la mitad que la superior como están hechas hoy en día.

Barroco : durante este periodo se elaboro un estilo de dar relieve a las notas importantes de la partitura y además dar forma u cracter a las melodías. Destaco sobretodo en Francia

Hespérion XXI

Hespèrion XXI es un grupo internacional que interpreta música antigua. Fue formado en Basilea, en 1974, por su director Jordi Savall (instrumentos de cuerda con arco), Monserrat Figueras (vocalista) Lorenzo Alpher(flautista, percusionista) y Hopkinson Smith (instrumentos de cuerda punteados). Inicialmente fue llamado Hespèrion XX, pero a partir de 2000, el grupo pasó a denominarse Hespèrion XXI.

Jordi Savall es un violagambista, director de orquesta y musicólogo español, especializado enmúsica antigua.

Savall empezó a estudiar música a los seis años en el coro de la escuela de Igualada(1947-1955). En 1965 acabó sus estudios superiores de música y violonchelo en el Conservatorio de Barcelona.

En 1968 se trasladó a Suiza para ampliar su formación en la Schola Cantorum Basiliensis, reivindicando un instrumento antiguo casi olvidado, la viola de gamba, y defendiendo la importancia de la música antigua de la península ibérica. En este centro fue discípulo del maestro August Wenzinger a quien sucedió en 1973.

EL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano ( o cantos a Dios ) inicialmente era el canto que habia en las iglesias y en los monasterios. Son solamente cantados a acapella sin usar instrumentos.

El Papa Gregorio Magno recopilo todas las cantadas de la iglesia que había en esa época y desde entonces las llamaron canto gregoriano

la característica de la escritura

• Notación alfabética: se escriben los sonidos con letras. Los manuscritos que juntan neumas y letras nos permiten conocer hoy dia el repertorio gregoriano, que de otra manera sería ilegible. De estas letras han salido el nombre de las notas en inglés y alemán.
• Sistema de líneas. Una o dos líneas que indican una altua fija del sonido. En principio se usaron para indicar el semitono (la nota de la linea está a un semitono de la inferior).
• Sistema de Guido de Arezzo. Perfecciona el sistema de líneas, llegando a cuatro (tetragrama), añade las claves e inventa el nombre de las notas, según un sistema nemotécnco basado en un himno a San Juan Bautista. Es el origen de nuestra escritura actual.

Los cantos en la misa tenían distintas partes:

• Introito: canto de entrada para iniciar la celebración.
• Gradual, aleluya o tracto: después de las lecturas.
• Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas.
• Comunión se cantaba en las comuniones solamente.

El Oficio Divino (También conocido Liturgia de las Horas) es la oración litúrgica cotidiana que han de cantar los cristianos, sean religiosos o laicos. En los monasterios, los monjes hacían una pausa en sus labores y se reunían regularmente a determinadas horas (horas canónicas) del día para hacer su oración. Estas oraciones son largamente cantadas.

• Maitines: plegaria de vigilia.
• Laudes: plegaria de la mañana.
• Prima: seis de la mañana.
• Tercia: nueve de la mañana.
• Sexta: doce del mediodía.
• Nona: tres de la tarde.
• Vísperas: seis de la tarde.
• Completas: antes de ir al descanso.

El repertorio de cantos para el oficio divino consta de:

• El canto de los salmos
• Simples recitativos (cantillatio) de lecturas y oraciones.
• Antífonas de invitatorio
• Himnos
• Antífonas cantadas antes y después de los salmos.
• Responsorios
• Te Deum
• Cantos del antiguo y del nuevo Testamento 

ALGUNOS VIDEOS QUE HE ENCONTRADO DE ESTE TIPO DE CANTOS SON:

MÚSICA ANTIGUA

5. Festivales de música antigua.

Los festivales empezaron siendo un conjunto de celebraciones en honor de los dioses. Ya en el 4.500 a. C., los egipcios realizaban estos festivales acompañados de música y danza. Les siguieron los griegos y romanos. En la Edad Media, se hacían competiciones de música que eran patrocinadas por los gremios.Los festivales empezaron siendo un conjunto de celebraciones en honor de los dioses. 

En la actualidad un festival de música es un tipo de festival o evento social que trata de una gran cantidad de conciertos de música durante varios días y generalmente del mismo género musical, de este modo los asistentes al festival pueden pasar varios días disfrutando de Música en directo. En estos festivales se suelen realizar otras actividades alternativas relacionadas con la música. Uno de los festivales más importantes de la historia fue el festival de Woodstock, en verano de 1969.

Como curiosidad quería añadir, que el mejor músico de música antigua es Jordi Savall, un gran músico que toca el violonchelo, llevaba muchos años y ya era profesional, y decidió empezar a tocar la viola de gamba, cuyo instrumento no tenía profesores que pudieran enseñarle, es decir, que aprendió solo. (Autodidacta).
Aquí os dejo una foto del más grande de la música antigua con su correspondiente instrumento:

Y aquí os dejo unos vídeos de música antigua:

Aquí os dejo un vídeo de Jordi Savall: 

También unas fotos de algunos festivales de música antigua actuales: